THE SHROUDS

#TheShrouds–#SegretiSepolti (t.o.The Shrouds, trad. I sudari) è l’ultima opera del regista canadese #DavidCronenberg. Karsh #VincentCassel (che ha voluto assomigliare fisicamente a Cronenberg in capelli, postura ed abiti) dopo la morte di sua moglie Becca #DianeKruger, crea un cimitero tecnologico, GraveTech, dove è possibile monitorare la decomposizione dei corpi dei propri estinti nelle bare. Una notte il cimitero viene profanato; sarà l’inizio di una serie di eventi alla ricerca dei responsabili. “Le persone pensano che la morte sia l’opposto della vita, ma in realtà è parte dell’esistenza stessa, anche se è difficile accettarlo”, ha dichiarato il regista che ha girato questo film dopo la #morte di sua moglie, compagna per 40 anni. Ogni volta che un nuovo #medium compare, si modifica il #rapporto tra #vita e #morte; così è stato con la nascita della fotografia e del cinema, così è ora nell’#era#digitale (siamo solo all’inizio) in cui l’identità in rete segna un post-umanesimo in cui stiamo imparando a non avere più segreti nostri e dove in alcuni paesi già ci sono programmi che permettono di vedere/toccare i propri estinti in modalità aptica digitale. In #TheShrouds questo confine si assottiglia ancora di più tanto da accompagnare visualmente la decomposizione del corpo dell’amata, (per #Bataille ‘l’erotismo è approvazione della vita fino in fondo alla morte’), una prospettiva, quella di Cronenberg, ateistica come lui stesso ha precisato, in cui l’unico credo/ossessione è appunto il #corpo, in tutte le sue #mutazioni (digitali, macchiniche, tumorali, medicalizzate, decomposte). E il confine ancora di più si assottiglia quando lo stesso Karsh, indossando un sudario hi-tech, riesce a vedere il proprio corpo in dimensione ‘thanatos’. L’umano in mutazione delega sempre più alle macchine che diventano sempre più umane. #TheShrouds parte bene, con #dialoghi efficaci: tra Karsh e il suo dentista (il dolore emotivo determina dolore fisico, ai denti, le parti che non si decompongono nei cadaveri), tra Karsh e una sua blind date alla quale chiede “Quanto ti vuoi addentrare nel buio”, tra Karsh e sua cognata Terry, sempre #DianeKruger; con gli inserti onirici (bellissimi) degli incontri con sua moglie e il suo corpo in mutazione. Si perde invece quando entra nel reale, nelle piste complottistiche di russi/cinesi/ambientalisti/hacker, quasi un altro film che appesantisce inutilmente. Resta comunque la valida suggestione delle riflessioni innescate, per cui si, il Maestro va onorato!

THE LAST SHOWGIRL

#TheLastShowgirl della regista statunitense #GiaCoppola (suo nonno è Francis Ford Coppola e sua zia Sofia Coppola alla quale molto si ispira), qui al suo terzo lungometraggio, narra una storia delicata e insolita tratta da uno spettacolo teatrale #BodyofWork con la sceneggiatura efficace di #KateGersten. Shelley, quasi 60 anni nascosti ai più, interpretata da #PamelaAnderson, dagli anni 80 fa orgogliosamente parte dello #show The Razzle Dazzle di #LasVegas come #ballerina, uno show che si ispira al #Lido di #Parigi con tripudio di strass e piume colorate, ma troppo old style per resistere rispetto alle nuove tendenze circensi e volgari sempre più richieste. Lo show deve chiudere e Shelley si trova a dover fare i conti con la propria vita e le proprie scelte, inclusa una figlia, Hanna #BillieLourd, vicina alla laurea e data in affido quando era piccola. Nel ventre molle e spietato degli States, dove non esiste assistenza sanitaria gratuita e il vero lusso non scontato è avere un piano pensionistico, in una Las Vegas glitterata e indifferente, perfetto scenario da #sogno#americano tradito, si aggira una donna che avrebbe tutto per arrendersi: età (quasi 60 nello showbiz è una condanna definitiva, come ampiamente narrato anche in #TheSubstance di #CoralieFargeat), senza soldi, senza famiglia, ad eccezione della sua amica Annette #JamieLeeCurtis (incisivo il suo ballo sulle note di #TotalEclipseoftheheart). Sulla carta ci sarebbero le premesse perfette per una totale sconfitta, ma Shelley difende orgogliosamente le sue scelte, ama il suo lavoro, non è una perdente, nonostante tutto. ‘Non capisco perché a noi donne si dice di continuo fai questo, non fare quello. Basta!’, sbotta con Eddie #DaveBautista durante un pseudo date. Un #personaggio delicato, puro, #resiliente, quello di Shelley, che ha molte similitudini e connessioni con lo stupendo #TheWrestler di #DarrenAronofsky e che aggiunge ulteriori sfumature alla rappresentazione femminile, #senza#filtri, come liberamente rivendica la stessa Pamela Anderson, ex Playmate della rivista più #malegaze in assoluto; è uno di quei casi in cui la #coincidenza tra persona e personaggio è fortissima (come #MickeyRourke/#AndyTheRam) tanto da farci dire che nessun altra attrice avrebbe potuto essere Shelley. #TheLastShowgirl, nonostante qualche sbavatura specie rispetto alla ripetitività dello schema narrativo, ha una sua valenza che porta a consigliarne la visione.

SOTTO LE FOGLIE

#SottoLeFoglie (t.o. Quand vient l’automne) del regista e sceneggiatore francese #FrançoisOzon è un misto di #drammafamiliare, #noir e #mèlo. La 70enne Michelle #HèléneVincent (bravissima) vive da sola in Borgogna; ha una sola amica, Marie Claude #JosianeBalasko il cui figlio Vincent #PierreLottin sta per uscire dalla prigione, una figlia, Valérie #LudivineSagnier che vive a Parigi con la quale il rapporto è molto conflittuale e un adorato nipote, Lucas #GarlanErlos. Durante le vacanze che Valerie e Lucas passano da Michelle, questa prepara dei funghi da lei raccolti che si riveleranno velenosi; Valerie, sottoposta a lavanda gastrica, convinta che Michelle l’abbia fatto apposta, taglia definitivamente i ponti con la madre e le vieta di vedere l’amato nipote Lucas. Da qui una serie di eventi ad incastro secondo uno schema noir dalle conseguenze imprevedibili, eventi che tuttavia lasciano aperta la strada a varie interpretazioni, giacché uno dei #pregi di #SottoLeFoglie è proprio l’apertura a #varie #letture, specie del personaggio di Michelle, centro assoluto della storia, senza forzare un giudizio, ma lasciando anche intravedere pieghe inverosimili che pur sembrano possibili e verso le quali noi spettatrici infine non ci sentiamo intransigenti. Il #piacere del #racconto che si dipana e si srotola fluidamente in varie direzioni, senza pause e con una vivibilità tangibile dei personaggi, è il punto di forza del film che ha una struttura narrativa solida, fluida e dal ritmo sostenuto. Dietro il noir, però, c’è anche altro, e non poco: in primis il #coraggio di Ozon di porre al centro una #protagonista#anziana (in un cinema dove vige il mantra ‘be young and beautiful’), di parlare di #solidarietà#femminile, di tracciare percorsi di non giudizio rispetto a tematiche ancora molto additate quale la #prostituzione femminile. In definitiva un piccolo grande film, da non sottovalutare, molto francese, molto bello, nel finale anche commovente. Bravo Ozon (ma non avevo dubbi)!

QUEER

#Queer del regista italiano #LucaGuadagnino, con la sceneggiatura di #JustinKuritzkes, è tratto dall’omonimo romanzo autobiografico di #WilliamSBurroughs del 1953, pubblicato solo nel 1985 con il titolo dispregiativo di ‘Checca’, giacché solo di recente il termine ‘Queer’ ha perso quella #valenza#negativa originaria, demolita a favore di una #risignificazione#positiva partita proprio dagli stessi soggetti oggetto del linguaggio di odio, come spiega #JudithButler nel suo #Questionidigenere. William Lee #DanielCraig (che riesce a scrollarsi di dosso il peso Bondiano) tra il flaneur e lo junkie, vaga per le strade di Città del Messico passando da un bar all’altro tra mescal e incontri fugaci, fino a quando si imbatte nel giovane Gene Allerton #DrewStarkey del quale si innamora irrimediabilmente. Inizia tra i due un #viaggio#lisergico tra alcool, droghe e passione verso una irraggiungibile fusione totale. Diviso in tre capitoli più un epilogo, #Queer è un film #enigmatico, #astratto, #irregolare, a tratti visivamente attrattivo, a tratti meno, allucinatorio. “Sono rimasto folgorato dalla lettura di questo romanzo a 17 anni, forse perché anche per me l’amore è ossessione.”, ha dichiarato il regista. In una #società quale la nostra dove il #controllo e la #razionalità o IA sono sempre più invasive, scegliere di #perdersi rimane una qualità molto ed esclusivamente umana, certo non macchinica. Ecco, Queer è un #elogio allucinatorio del #perdersi: droghe, alcool, passione amorosa portano tutte allo stesso stato di perdita del se’, per lo meno di quello razionale. In sintonia con questo tema sono le scelte musicali (#soundtrack bellissima e perfetta). #IanCurtis con i Joy Division, #KurtCobain con i Nirvana sono altrettanti cantori e loro stessi simboli di quella #estetica del #malessere (vedi l’incisivo saggio di #ClaudiaAttimonelli) che accomuna e di certo comprende Burroughs e #Queer. Un film complesso, non il mio preferito di Guadagnino, forse perché (confesso) non avendo letto il romanzo qualcosa mi sfugge, o forse è proprio questa l’essenza del tema, quello sfuggire da una comprensione razionale totale.

LOVE

#Love (t.o.Kjaelighet, lett.Amore) del regista e sceneggiatore norvegese #DagJohanHaugerud fa parte della #trilogia dedicata ai rapporti umani insieme con #Dreams (uscito agli inizi di aprile) e #Sex che uscirà a breve. Marianne #AndreaBraeinHovig, dottoressa urologa (‘perché il ventre è la nostra parte più intima’, afferma) e Tor #TayoCittadellaJacobsen, infermiere lavorano nello stesso ospedale di Oslo. Una sera si incontrano per caso sul traghetto, un luogo sospeso e neutro, che da un fiordo vicino li porta al centro città. Inizia tra i due una comunicazione confidente su relazioni amorose e sessuali che porterà Marianne ad aprirsi a nuove esperienze. Come #Dreams anche #Love è un film molto #parlato, nello stile di #EricRohmer, e mette in scena varie #tipologie#umane, sempre contrassegnate dal ruolo sociale di appartenenza (urologa, infermiere, geologo, operatrice culturale, carpentiere, musicologa) a significare che ciascuno ha un approccio peculiare alla vita e alle relazioni eco del modo in cui opera nella società. Marianne è razionale, difesa, protetta, anche se apparentemente risolta, mentre Tor è fortemente #empatico, più sciolto rispetto ad amore e desiderio, una sorta di ‘traghettatore’ appunto verso la vicinanza, il voler bene nel senso di #agape e non solo di #eros, nonché verso una naturale apertura al piacere. Ulteriore protagonista, come in Dreams, la città di #Oslo che qui diventa raccordo tra punti distanti messi in comunicazione secondo linee orizzontali (il percorso del traghetto tra i vari punti della baia) e verticali (le riprese iniziali e finali sul palazzo del Comune), coordinate metaforiche del vivere. #Love è un film #cerebrale, ma anche #delicato, sulla #disponibilità all’apertura e alla vicinanza come chiave del vivere e dell’esplorarsi. Meno sognante e avvolgente di #Dreams, è comunque da vedere, come parte essenziale della trilogia del regista.

Alessandra Quagliarella