ANCORA UN’ESTATE

#Ancoraunestate (t.o. L’ete dernier) di #CatherineBreillat narra la storia della relazione passionale tra la quasi 60enne Anne, una convincente #LeaDrucker, e il quasi maggiorenne Theo #SamuelKircher; la particolarità risiede nel fatto che Theo è figlio del primo matrimonio di Pierre #OlivierRabourdin, marito di Anne. Il film, pur non risultando particolarmente coinvolgente, ha il merito di narrare una storia centrata su una #donna e la sua #sessualità in una #età che è #tabù rappresentare, specie al cinema dove il diktat ancora imperante è quello di esibire corpi femminili giovani e senza imperfezioni. Anne è una donna sicura di sé e di successo, avvocata di minori abusati, lei stessa con un passato di violenza subita, un personaggio complesso e contraddittorio che dalla vita prende tutto, che vive il desiderio ed il sesso al di fuori di #categorie#borghesi alle quali però non rinuncia quanto a rispettabilità e comodità. La regista, che ha indagato il tema della sessualità femminile nelle sue opere, rappresenta la tensione sessuale ed erotica senza indulgere sul #corpo, cosa non facile in un film, riuscendoci però parzialmente. Forse il limite di questa opera è proprio quello di non aver osato di più, limite che non ritroviamo nel precedente lavoro della regista #Romance. La tematica, seppur rivisitata, del #mito di #Fedra non è nuova al cinema; prima della Breillat, #Queenofhearts della regista danese-egiziana #MayelToukhy (del quale #Ancoraunestate è un remake), #TwoMothers della regista francese #AnneFontaine tratto da un racconto di #DorisLessing, ma soprattutto #TheMother con soggetto e sceneggiatura dello scrittore britannico-pakistano #HanefiKureishi che ha sempre posto il corpo al centro del suo lavoro. Di quest’ultimo film, davvero dirompente per la critica ad #ageismo, pregiudizi e schemi convenzionali, si consiglia fortemente di recuperare la visione.

LA TERRA PROMESSA

#LaTerraPromessa (t.o. Bastarden) del regista danese #NikolajArcel tratto dal romanzo #IlCapitanoeAnnBarbara della scrittrice danese #IdaJessen, narra l’epopea del capitano Ludvig Kahlen, interpretato da uno stratosferico #MadsMikkelsen, il quale nel 1755, dopo venticinque anni di guerra in Germania, torna nella sua Danimarca con un progetto preciso ed irrinunciabile nel quale, con grande rammarico della corona danese, nessuno è riuscito: coltivare le aspre terre dello #Jutland dove stabilisce la sua tenuta che non a caso chiama ‘La casa del re’. Tanto vuol realizzare, più che per ricchezza, al fine di ottenere un titolo nobiliare, agognato #riscatto#sociale ed esistenziale essendo figlio ‘bastardo’ (da cui il titolo originale del film) di una domestica abusata dal suo ‘nobile padrone’, pratica consueta di privilegio patriarcale di classe. È l’inizio della sua personale, ostinata guerra contro una #natura non addomesticabile e contro il conte de Shinkel #SimonBennebjerg un vicino potente ed avido come un vero #villain ha da essere. Saranno tre #donne fondamentali incontrate in questa avventura, che rappresentano altrettante forme di #amore (#paterno per la piccola nomade Anmai Mus #MelinaHagberg, #romantico per l’aristocratica Edel Helene #KristineKujathThorp e #maturo per la contadina Ann Barbara #AmandaCollin) a dargli il senso di una prospettiva esistenziale altra rispetto alla dicotomica e binaria contrapposizione tra ordine e caos. Vedere questo film è abbandonarsi ad un racconto immediato ed avvincente, riconciliandosi con il cinema narrativo classico, dove la visione non necessita di sforzo intellettuale; è perdersi negli scenari immensi della brughiera danese, proprio come succede con le praterie dei #Western, genere che molto richiama, con venature del capolavoro #BarryLyndon; è appassionarsi ad un personaggio epico quale Kahlen del quale non è possibile non subire la fascinazione, il quale disvela pian piano dolcezza e sensibilità per troppo tempo negate a sé stesso (Frankie Dunn/Clint Eastwood di #MillionDollarBaby docet). Incontrastato domina #MadsMikkelsen, attorno al quale tutto il film è costruito: statuario, immenso, magnetico, dalle mille sfumature, capace di farci sentire vicino un uomo del ‘700 e senza il quale #LaTerraPromessa sarebbe stato un altro film, di sicuro meno riuscito.

MAY DICEMBER

MayDecember del regista statunitense #ToddHaynes prende spunto da una storia vera che negli anni 90 ebbe rilevanza mediatica: la relazione tra #MaryKayLetorneau con un suo studente 12enne, in seguito divenuto suo marito e padre di suoi tre figli (il titolo del film riprende una espressione linguistica anglosassone che indica appunto la differenza di età o di carattere tra due persone, lontane tra loro come i mesi di maggio e dicembre). Elisabeth Barry #NataliePortman, famosa attrice di Hollywood, vuole girare un film sulla scandalosa storia d’amore di Gracie Atherton #JulianneMoore che acconsente ad accoglierla nella sua vita privata affinché possa documentarsi adeguatamente. Inizia così tra le due donne un percorso di attrazione, di reciproco rispecchiarsi che, quale vero e proprio #transfert, porterà l’una ad uscire da sé per accogliere le proprie parti in ombra. È questa la tematica che interessa il regista, essendo il fatto di cronaca un mero pretesto, ma nonostante la bravura indiscussa delle due protagoniste (lo #specchiarsi, anche visivamente reso, rappresenta la parte valida del film), il racconto si banalizza e si appesantisce, complice un commento musicale opprimente, proprio nei rivoli della ricostruzione del fatto di cronaca. La tematica dello #specchio di #lacaniana#origine non è nuova al cinema ed inevitabilmente #MayDecember richiama opere precedenti come #Quellochenonsodilei di #RomanPolansky, in particolare per le atmosfere tensive, ma soprattutto #Persona capolavoro di #IngmarBergman, sia per tematica che per scelte registiche che hanno fatto scuola, tutt’ora insuperato. Di quest’ultimo, la cui visione è obbligata, vi propongo la mia recensione per la rubrica Cinema e Psiche di Cinemagazzino. https://www.cinemagazzino.it/approfondim…/persona/persona/

SOUL SAUNA SISTERHOOD/BODY ODISSEY

#SoulSaunaSisterhood#BodyOdissey Due registe, due racconti, due differenti declinazioni rappresentative rispetto al comune denominatore della riflessione sul #corpo, o meglio sui corpi femminili. #SoulSaunaSisterhood (t.o.Savvusanna sösarad) docufilm non privo di note artistiche della regista estone #AnnaHints, presentato al #SundanceFilmFestival, rappresenta un’ ancestrale #tradizione estone: il rito della #sauna, immersa nella natura, praticata insieme da donne di diversa generazione. Tempo sospeso, zona franca dove la cura del corpo diventa pratica di #purificazione esteriore ed interiore, luogo dove il parlare di sé (reso con il #voiceover, giacché i discorsi personali sono universali) è vera pratica di #autocoscienza. Dettagli di #corpi, ravvicinati, intrecciati, affiancati, come #paesaggi#eterni evocanti la Venere di Waldorf (scultura del 30.000 a.c.); rappresentazione #anti#voyeuristica e anti levigante che celebra la potenza del corpo femminile: generativo, sanguinante, accogliente, tenace. Il doc è disponibile su Mubi.

#BodyOdissey della regista pugliese #GraziaTricarico, presentato in anteprima al #Bifest, narra la storia di Mona interpretata dalla culturista #JacquelineFuchs, una body builder che si sta preparando per la massima competizione mondiale assistita dal suo coach fisico e mentale Kurt #JulianSands. Corpo, #ossessione per il corpo, #mutazione del corpo, attrazione per il corpo, body shaming, rappresentazione del corpo e #performativita‘ in una #atmosfera straniante, immersiva, #materica e #astratta al contempo. Glazer, Cronenberg, The Shape of Water. Spettatori in sala interdetti. Locandina notevole. Un film non facile, ma di certo si distingue; ne auspichiamo una celere distribuzione.

PRISCILLA

#Priscilla, ottavo film della regista statunitense #SofiaCoppola, è tratto dal libro di memorie #ElvisAndMe di #PriscillaPresley, ex moglie del mitico musicista #ElvisPresley, uno dei più importanti del XX secolo, tra i principali artefici del rock’n roll. Il racconto filmico, che si svolge interamente seguendo il punto di vista di Priscilla, interpretata da #CaileeSpaeny (#premio per la #migliore#interpretazione femminile al #FestivaldiVenezia), narra tutte le tappe della #lovestory tra i due, a partire dal primo incontro avvenuto nel 1959 ad un party in una base militare in Germania dove lei, figlia di un militare e solo 14enne, viveva e dove Elvis #JacobElordi (sempre notevole), 24enne e già famoso, stava svolgendo il servizio militare, fino al fidanzamento, al matrimonio, alla nascita della loro figlia Lisa ed al divorzio nel 1974. Cosa può significare per una #adolescente che il tuo idolo, quello di cui hai la foto appesa in camera, di cui hai tutti i dischi, quello desiderato e amato da tutte le ragazze del mondo, si interessi a te, scelga te, voglia te? Può significare vivere in una #bolla (e noi spettatrici con lei) che può trasformarsi in una #gabbiadorata, specie se in una #relazione di #manipolazione#affettiva, fortemente #squilibrata, diventi la #bambolina a disposizione perenne del suo padrone che per te sceglie abiti, trucco, capelli, tempo, vita. Una #sposabambina, nei ‘civilissimi’ States degli anni 60. Priscilla si avvicina pian piano alla #consapevolezza di sé, visivamente rappresentata dai suoi capelli che da impalcatura super cotonata dalla tinta scura si tramutano in chioma sciolta, libera e scompigliata nel vento. “Mi appassiona il racconto della #ricerca di #identità di ragazze che stanno diventando donne, che la trovano nelle scelte che fanno. Non penso ci sia un altro momento della nostra vita in cui succede così tanto e che sia così ricco di ispirazione.” ha dichiarato la regista che in estetica e soundtrack offre le espressioni migliori della sua autorialita’. #Estetica personalissima e riconoscibile, curata in ogni #dettaglio#attrazionale che ci porta con potente fascinazione nel mondo di Priscilla: galleggiamo tra unghie smaltate, moquette rosa, carta da parati con barboncini, capelli cotonati, eyeliner, abiti (della costumista #StaceyBattat) corti, lunghi, colorati fino a quello famoso da sposa (rieditato da #Chanel), con perfetta aderenza storica temporalmente trascendente: Priscilla può essere una teen-ager di oggi (vedi la scena di antesignani selfie con la macchina fotografica istantanea). #Soundtrack irresistibile: poco Elvis, molto sound romantico di periodo (#Frankie Avalon e affini) con contaminazioni (marchio di fabbrica della regista) contemporanee (#Ramones, #Spectrum) e una perfetta cover finale di #DollyParton. Unica pecca il montaggio: la sensazione della brusca interruzione nel racconto si ha più volte, ma è un limite che si perdona facilmente. Pink-consciousness efficace.

#Challengers (in italiano ‘sfidanti’) del regista italiano #LucaGuadagnino è la storia di un triangolo amoroso e tennistico. Art #MikeFaist e Patrick #JoshOConnor sin da adolescenti si sfidano in campo, prima come allievi della stessa accademia tennistica, poi come rivali nei tornei US Open. Entrambi rimangono abbagliati dalla tennista Tashi Duncan #Zendaya che per bellezza, bravura ed intelligenza li surclassa abbondantemente. Inizia subito tra i tre un gioco tripartito che si protrarrà in concomitanza con la carriera sportiva di ciascuno, sotto la regia di Tashi, mente e anima del tutto. In realtà, pur essendoci molto tennis, #Challenger non è un film sportivo alla #BorgMcEnroe per intenderci, interessando al regista esplorare l’aspetto relazionale/seduttivo/attrattivo, la sfida e la competizione che si innestano in una liason triangolare, amorosa e sessuale. I punti di vista, così come le angolazioni di ripresa e le soggettive, sono svariate; la musica techno accompagna i match; Zendaya è stupenda; i colori sfavillanti, ma l’insieme non coinvolge totalmente, specie considerando altre precedenti opere di Guadagnino (#Chiamamicoltuonome e #BonesandAll su tutti). Spesso si ha l’impressione di trovarsi in un unico, lungo spot pubblicitario, per quanto è oltremodo esplicita e voluta la pubblicità per niente occulta di famosi brand. Il risultato finale non è memorabile.